Hypnosis Mic y la historia del hip-hop japonés

Hypnosis Mic, el proyecto multimedia de King Records sobre equipos de chicos de anime que luchan entre sí en batallas de rap, ha salido al aire este mes. Aunque HypMic (como lo llaman más a menudo los fans) ya tiene un notable seguimiento en Occidente gracias a varios lanzamientos de música y manga, es seguro asumir que su seguimiento sólo se expandirá con el estreno del anime de televisión, llamado Rhyme Anima. El auge de HypMic representa la creciente popularidad del hip-hop en Japón, y con ello la creciente probabilidad de que los fans extranjeros de la cultura pop japonesa se vean expuestos a la particular forma de entender el género musical originalmente americano y la cultura que lo rodea. Esta exposición se debe en gran parte al creciente uso del hip-hop en el anime a medida que el medio se vuelve más y más global, pero tanto HypMic como el hip-hop en el anime son previsiblemente sólo una pequeña parte del pastel del hip-hop japonés, y hoy voy a tratar de dar una breve mirada a cómo se ve el resto de ese pastel.

Los primeros comienzos del hip-hop en Japón se remontan a finales de la década de 1970, cuando la experimentación dentro de la escena de la música pop japonesa estaba muy extendida, especialmente en lo que respecta a la música electrónica y los géneros internacionales. Artistas famosos como el compositor de Studio Ghibli Joe Hisaishi y el padre del pop de la ciudad Tatsuro Yamashita se iniciaron en esta época, pero fue un trío de synth-pop ahora legendario llamado Yellow Magic Orchestra el que no sólo traería el hip-hop a Japón, sino que también contribuiría al temprano éxito del hip-hop en América. YMO tenía una relación simbiótica con los pioneros del hip-hop neoyorquino Afrika Bambataa y Mantronix, quienes samplearon canciones de su álbum debut de 1978 en nuevos temas y mezclas de DJ que se consolidarían como clásicos en la historia del hip-hop. Como resultado, YMO lanzó la canción “Rap Phenomena” en su álbum seminal de 1981 BGM, que muchos consideran la primera instancia del hip-hop japonés original.

A pesar de esta temprana experimentación, el hip-hop en Japón no despegó del todo hasta el otoño de 1983 con el lanzamiento mundial de la película Wild Style, ampliamente considerada como el primer largometraje de hip-hop verdadero. Como parte de los esfuerzos de promoción de la película, varios artistas que participaron en la producción, incluyendo MC, DJ, breakdancers y grafiteros, visitaron Japón y actuaron en diferentes lugares de Tokio, exponiendo por primera vez a los japoneses al auténtico hip-hop americano. Sin embargo, a pesar del temprano interés suscitado por la película, el hip-hop siguió siendo una subcultura oscura y principalmente de nicho en Japón durante el decenio de 1980, debido en gran parte a las dudas sobre su viabilidad en el país. Algunos temían que el idioma japonés fuera incompatible con la estructura estándar de 4 barras utilizada en la creación de rimas para el rap en inglés, y además muchos, tanto dentro como fuera de Japón, creían que las firmes raíces del hip-hop en la cultura negra americana hacían imposible su reconciliación con la sociedad japonesa, mucho más homogénea desde el punto de vista étnico. Si bien estos temores contribuyeron a que los principales sellos discográficos de Japón adoptaran inicialmente un enfoque de no intervención con el hip-hop, una de las figuras clave en la década de 1980 que ayudó al hip-hop japonés a superar estas dudas en el underground fue un productor llamado Hideaki Ishi, más conocido como DJ Krush. Como muchos de los primeros pioneros del hip-hop en Japón, Krush se inspiró para empezar a pinchar con Wild Style en 1983 y, como resultado, no sólo ayudó a mantener la presencia constante del hip-hop en la escena musical underground de Tokio hasta finales de los 80, sino que también contribuyó a sentar las bases de un sonido hip-hop claramente japonés que volvió en gran medida más tarde en la historia del hip-hop dentro de Japón. DJ Krush es venerado por los jefes del hip-hop tanto dentro como fuera de Japón debido a este trabajo temprano, y ha colaborado con más artistas occidentales famosos que tal vez cualquier otro productor de hip-hop japonés.

Aunque el hip-hop ya estaba en pleno apogeo en los Estados Unidos en los años 90, no tuvo éxito comercial en Japón hasta 1994 con el lanzamiento de la colaboración del grupo de rap Scha Dara Parr con el cantante Kenji Ozawa, llamada “Kon’ya wa Boogie Back”. Junto con un tema lanzado ese mismo año por otra colaboración entre grupo de rap y cantante, “DA.YO.NE.” de East End X Yuri, “Kon’ya wa Boogie Back” logró que el público japonés aceptara el hip-hop comercial al emparejar a los raperos con una cantidad conocida: en ambos casos un cantante previamente exitoso y establecido. Otros grupos lanzarían también álbumes seminales durante esta época, entre ellos Rip Slyme y Rhymester, que se convertirían en algunos de los actos de hip-hop más reconocidos de Japón que siguen activos y son muy solicitados hoy en día. La manera en que el hip-hop tuvo éxito comercial a mediados de los años 90 en Japón continuaría escribiendo la fórmula para un mayor éxito: Scha Dara Parr y East End X Yuri eran los llamados actos de “party rap”, cuyas letras eran ligeras y no políticas sobre la diversión, la comida y no mucho más fuera del ámbito de las trampas mundanas de la vida. Esto le pareció a muchos en el mundo del hip-hop underground japonés como algo falso e inauténtico

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